domingo, 31 de marzo de 2013

'ÁGORA' MÁS ALLÁ DE LA FILOSOFIA


'Ágora' 2009
Director: Alejandro Amenábar
Reparto: Rachel Weisz, Max Minghella, Ashraf, Oscar Isaac, Michael Lonsdale, Rupert Evans, Homayoun Ershadi...

Cuando esta película llegó a los cines leí criticas muy dispares, para unos era una película pasable y para otros era un fracaso estrepitoso de Alejandro Amenábar. A mi sinceramente me gustó lo suficiente como para recomendarla. Es cierto que este film con aires de gran película se le quedó corto al director español, pero la historia y su desarrollo, creo que ofrecen multitud de elementos que la hacen digna de ser vista.


Se desarrolla esta historia en la ciudad de Alejandría en el siglo IV d.C. donde conviven, no sin problemas, tres culturas: la romana, la cristiana y la judía. En medio de todo esto, la astrónoma Hypatia (Rachel Weisz) que comparte sus conocimientos en el más famoso centro de sabiduría del mundo antiguo, la biblioteca, quedará recluida victima de la intolerancia. Se mantendrá firme en la defensa de la sabiduría, sin saber que su joven esclavo se debate entre el amor que le profesa y la posible libertad que alcanzaría uniéndose a la imparable fuerza del Cristianismo.

Está claro que Amenábar contó con una excelente documentación histórica, especialmente en lo que a arte se refiere. Tanto el fiel montaje de la ciudad de Alejandría, como el uso de las estatuas policromadas, tal y como se hacían en la época -cosa que dicho sea de paso para una historiadora del arte es muy gratificante de ver- aunque por supuesto también hay alguna licencia cinematográfica, un esclavo, varón, aseando a una dama... voy a permitirme el lujo de dudarlo. En cualquier caso hay muchos elementos de carácter histórico que otorgan gran veracidad y realismo a esta cinta. Por ejemplo, la difícil convivencia entre el avance del Cristianismo, con los judíos y los romanos que aún no habían abrazado la fe cristiana. La decadencia de la ciencia y la falta de libertad de expresión debido a la imposición del cristianismo. Son precisamente los cristianos los que aparecen en este film como los "malos" a pesar de ser los únicos que ofrecían obras de caridad, que quedan muy bien planteadas en el film. Pero que no conceden un mínimo de tolerancia a los que piensan diferente de ellos.

Si bien es cierto que las reconstrucciones tanto escultóricas como arquitectónicas son muy buenas, algunos elementos técnicos son quizá algo primitivos, o tal vez no tan buenos como cabían de esperar, pero personalmente pueden hasta ser pasados por alto... No si se es tan exigente como suelo ser yo, pero a veces hay detalles que son perdonables, como es el caso cuando la historia lo merece. Este film no solo nos cuenta la historia de Hypatia, que de alguna manera nos descubre a una mujer admirada en la antigüedad, cosa que dadas las circunstancias en una época en la que hombre parecía ser algo así como un ser supremo; la mujer en este caso es el reflejo de la razón. La sabiduría, el pensamiento, y la fidelidad a una idea y sobre todo y valga la redundancia, es un homenaje al uso de la razón.

Todo lo contrarío quede plasmado en la actitud de los cristianos, que parecen haber olvidado lo desagradable de ser perseguidos, parecen buscar una ilógica venganza y una imposición irracional de su doctrina.

Más allá de planteamientos filosóficos aquí se plantea una reflexión, o más bien, una llamada a la razón y la tolerancia, a través de los ejemplos contrarios que ofrecen los distintos personajes.

En cuanto a los elementos técnicos me gusta especialmente la iluminación, muy clara usada sobre una fotografía muy contrastada en algunos casos, jugando en algunos momentos con unas duras sombras que acentúan especialmente los rostros de los personajes cristianos cuando llevan las capuchas. Algunos de los encuadres y planos que ofrece, en especial aquellos que más abiertos, llegan a parecer verdaderas obras pictóricas. En cuanto a los efectos digitales quizá Amenábar no estuvo acertado, y en algún plano cenital hay errores de director novato. Pero en líneas generales creo que hay una visualización muy plástica en esta película.


La interpretación de Rachel Weisz insuperable, no soy especialmente admiradora de esta actriz, pero en este caso me gusto bastante. Quizá algo floja las interpretaciones masculinas, pero a pesar de ello es un film agradable de ver.

Si bien es cierto que esta película no es ninguna maravilla, ni tampoco estaba llamada a ser un clásico, si os puedo decir que hay muchos elementos que no he comentado, por no revelar elementos esenciales de la historia a los que no la hayan visto, que la hacen una película digan de ser vista.

miércoles, 20 de marzo de 2013

'LOS AMANTES PASAJEROS' UNA TRIPULACIÓN MUY LOCA


He confesado anteriormente ser fan incondicional de Pedro Almodóvar, pero para hacer la crítica de su regreso a la comedia voy a intentar ser lo más objetiva posible, porque lo que defiendo de su cine es lo diferente y personal que es su visión de este arte, y su manera de hacer que el espectador disfrute del cine, se entretenga, pase un buen rato y en el caso de las comedias, se divierta y mucho.

'Los amantes pasajeros' es la más puro ejemplo de esperpento que creara en su momento Valle-Inclán. No es una de esas películas de las que se sale comentado con los acompañantes "qué peliculón acabamos de ver" y probablemente el comentario más repetido va a ser "¿os habéis enterado de qué iba la peli?" No es una película con la que te dejas llevar por el argumento en sí; pero sí  por unos diálogos formidables en boca de un reparto espectacular. Y son precisamente estos dos detalles los que salvan este film de Almodóvar. Javier Cámara, Carlos Areces y Raúl Arévalo están soberbios en sus papeles, impecables y divertidisimos. No se queda corta Lola Dueñas, que tira de naturalidad para interpretar su papel magistralmente.

He de reconocer que tenía altas espectativas ante este regreso de Almodóvar a la comedia; no ha sido tan espectacular como yo esperaba, hay alguna que otra escena que parece estar metida casi que a la fuerza, sin mucho sentido, aunque no se porqué creo que ese sin sentido es más que intencionado. Mucho chiste fácil y retorcidos dobles sentidos que en ocasiones arrancan una buena risa. En cualquier caso tengo que decir que a mi me hecho pasar un rato agradable, risas que son siempre bienvenidas y me llevo una escena como favorita: el numerito musical a lo 'Priscila, reina del desierto' (sin espectaculares trajes) que se marca el trio de "azafatos".

No tengo mucho más que decir, porque tampoco me gustaría condicionar a nadie por lo que aquí lea; pero la recomiendo para aquellos que les gusta disfrutar del cine, para los que les gusta desconectar un rato del stress diario y pasar un rato divertido.
 

lunes, 18 de marzo de 2013

'VOLVER' LOS REENCUETROS Y LA GENIALIDAD DE ALMODÓVAR


'Volver' 2006
Director: Pedro Almodóvar
Reparto: Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo, Chus Lampreave, Antonio de la Torre...

Los reencuentros que se producen tanto delante como detrás de la pantalla. Este film supuso la vuelta de Carmen Maura a un film de Almodóvar, y con gran acierto por cierto. Trabajo excelente el de la veterana actriz, y grandioso el trabajo de dirección del director manchego. Y el reencuentro, o los reencuentros que se producen en la historia, pero de esto no voy a adelantaros mucho, por si no la habéis visto.


A modo de homenaje a esas mujeres de la España profunda, o más bien tradicional -porque, quién no conoce a alguna señora que os venga a la memoria cuando veis esta película- La historia se desarrolla entre Madrid y un pueblo de la Mancha. Raimunda (Penélope Cruz) que es nuestra protagonista, vive en Madrid con su marido (Antonio de la Torre) y su hija (Yohana Cobo). Sole (Lola Dueñas) es hermana de Raimunda, juntas suelen ir al pueblo a visitar a su tia Paula (Chus Lampreave) y su amiga Angustina (Blanca Portillo). Un dia de primavera, Sole llama a su hermana para decirle que su tia ha fallecido. Raimunda no podrá asistir por circunstancias que se lo impiden, y a regañadientes Sole va al pueblo. Allí, durante el velatorio de la tia, las mujeres comentan que su madre (Carmen Maura) que falleció en un incendio, se ha estado apareciendo en la casa en la que vivía.
A partir de ahí la película nos va a sorprender varias veces más.

Historia de secretos, de supersticiones, de tradición, de supervivencia. Se mezcla lo complejo con lo sencillo; lo emocionante y lo atroz. La muerte y las maneras de aceptarla, la sabiduría del pueblo, las familias, las vecinas, las promesas incumplidas. Y lo bonito de vivir la vida con cariño, son elementos que no faltan en este film.

Como toda obra del universo Almodóvar, la mujeres son centro de esta historia, y qué mujeres! Porque todas, absolutamente todas, están magnificas en sus papeles, impresionantes, interpretaciones de oscar y se me permite, master class para cualquier academia de arte dramático. Un reparto de super lujo, con una Penélope Cruz sublime, con un aire propio de esas mujeres del cine italiano del neo-realismo, que queda muy bien marcado con el peinado de Penélope, ese moño descuidado que tantas veces vimos en la siempre genial, Sofia Loren. Por supuesto, otra que clava su personaje es Carmen Maura, soberbia. Una mujer de esas que vemos en los pueblos, natural como la vida misma y eso refleja la Maura. Su estilismo refuerza la genial interpretación que hace. Y bueno, qué decir de Blanca Portillo y Lola Dueñas, prodigios de la naturalidad y la realidad, es que si de alguien me dijera que estas dos son así, como las vemos en la pelicula, me lo creería. Mención a parte merece Chus Lampreave, la eterna secundaria que en los films de Almodóvar tiene siempre ese corto papel pero que deja una huella imborrable.

Una fotografía excelente, unos planos maravillosos y muy bien estudiados; de esos que al estilo de Hitchcock te adelantan algo, pero hay algo más en ese plano que juega al despiste. Una banda sonora fenomenal que no podía faltar tampoco. Un poderoso guión, fresco en el que no faltan los dobles sentidos, en el que a pesar de su carácter dramático, no falta un siempre bienvenido, toque de humor. Una narrativa excelente y poderosa, como ya he dicho.


'Volver' es en definitiva una historia que a pesar de la sordidez que con la que cuenta en algunos momentos, se convierte en historia tierna, costumbrista, con su carácter melodramático que pasa también por lo cómico  Una pelicula obra de un genio, muy bien realizada y tratada su temática, y que marca la madurez creativa del TALENTO de Pedro Almodóvar, porque me da igual lo que digan los "críticos" patrios, el señor Pedro Almodóvar, tiene talento y es un GENIO.

Por cierto, increíble la genial interpretación de Penélope con el playback del tema 'Volver' cantado por Estrella Morente...

jueves, 14 de marzo de 2013

'NIÁGARA' MARILYN TORRENTE INTERPRETATIVO


 

'Niágara' 1953
Director: Henry Hathaway
Reparto: Marilyn Monroe, Joseph Cotten, Jean Peters, Max Shawalter, Denis O'Dea, Richard Allan, Don Wilson, Lurene Tuttle...

Las cataratas más impresionantes y famosas del mundo pierden todo protagonismo en cuanto la mítica rubia hace su aparición, Marilyn Monroe es la estrella indiscutible de este correcto film. Para los que asocien a Marilyn con la comedia romántica y facilona, y que aún no hayan visto esta película, olviden esa idea y prepárense para ver y disfrutar de una talentosa interprete dramática. Y es que Marilyn, a pesar de que para todos haya pasado a la historia por su belleza, por su vida privada, e incluso por su misteriosa muerte, aquí veréis a la verdadera actriz, a la del talento.


La acción tiene lugar en las cataratas del Niágara y sus alrededores. Dos parejas se encuentran allí disfrutando de unos días de verano en un complejo hotelero situado frente a las cataratas. Los enamorados jóvenes que quieren disfrutar sus días juntos Polly (Jean Peters) y Ray Catler (Max Showalter). Y una atormentada y casi deshecha pareja, debido a los celos del marido, Rose (Marilyn Monroe) y George Loomis (Joseph Cotten). Rose es un derroche de sensualidad, seducción y elegancia. Con amplia carga de erotismo y carnalidad. Cosa que provoca unos enfermizos celos en su marido, que es arrogante, inestable, severo. Como contra punto los Catler encarnan la seriedad y la formalidad. Además de la bondad y la ingenuidad.
El tema es que George tiene poderosas y certeras razones para estar celoso. Su esposa le es infiel, con un hombre más joven. La historia se complicará cuando ella planee deshacerse de su marido. Este es la trama principal del film, que busca mantener al espectador bien atento a lo que acontezca y dónde Marilyn hace gala de sus mejores dotes interpretativas, y también de la sensualidad y erotismo que la hicieron tan famosa.


Durante todo el metraje se ponen de manifiesto ciertos contraste que dan más vida a la trama, dos jóvenes bellas y muy femeninas, pero cada una lo muestra a su manera. Contrastes más llamativos en los caracteres, una generosa y atenta; mientras que la otra es una especie de volcán a punto a de estallar. Contrastan también los maridos, uno es víctima de un sin fin de fracasos, tanto en lo profesional como en lo personal. Y el otro parece ser un triunfador nato. El contraste en conjunto es obvio, unos representan la felicidad, mientras que los Loomis son la imagen de la infelicidad y la disputa.

Otro de los elementos más destacables de este film son sin duda las cataratas y el hecho de gran parte de lo que vemos de esas cataratas son imagenes proyectadas en el estudio en el que se filmó la película, una imantación muy bien lograda para la época -cosa que muchos deberían tener en cuenta a la hora de hacer "criticas"-  Cuenta esta cinta con una excelente fotografía, que gracias a una iluminación correcta, sombras en alto contraste que otorgan una plasticidad, inquietud y un carácter dramático que se acentúa en los momentos en que la tensión aumenta.

Hay una escena en particular que me encanta, precisamente por esa iluminación de la que os hablo y esa plasticidad artística que otorga tanto la iluminación como el encuadre y el plano picado sensacional. Es una escena tocando final, en la que Marilyn lleva ese vestido negro de cuellos blancos, que se reconoce de la foto que Andy Warhol tomara como modelo para su serie serigrafica sobre la actriz. La escena tiene lugar en un espacio cerrado en el que entra la luz a través de unas rejas... No os cuento más porque no quiero revelar nada a quien no la haya visto, pero sabréis a cual me refiero si la veis.
Destaco también ese ambiente que crea la bruma de las torrenciales aguas del Niágara, lo cual refuerza el aspecto visual de toda la recreación del film.

El guión muy acertado, porque lo que comienza aparentemente como una película de denso romanticismo va evolucionando a un emocionante suspense y hasta cierto momento con toques de cine de espionaje. Un cierto aire Hichcockiriano tal vez.

Excelente también la banda sonora, con partitura compuesta por Sol Kaplan y con la que contribuye a dar ese ambiente inquietante, dramático. No falta una interpretación vocal por parte de Marilyn con la canción "Kiss", soberbia y sensual como solo ella sabe serlo.

Podria pasarme horas hablando de este film -pero lo dejo aquí- porque como creo que  ya dije en mi post de bienvenida, y si no lo dije, lo hago ahora. Soy una admiradora acerrima de Marilyn, y esta película, me fascina sobremanera por su potencial y torrente interpretativo.

'OZ: UN MUNDO DE FANTASIA' LA SIEMPRE MÁGICA FANTASIA DE DISNEY


Quizás no sea la mejor película del año, pero al menos es una bonita manera pasar un buen rato en el cine. Y para los que tengáis hijos, os hará disfrutar de un excelente y divertido momento en familia.
La fabrica de sueños que ha sido siempre Disney, no defrauda y mantiene la linea de ofrecer originalidad a historias ya conocidas. Tirando de director de renombre como es Sam Raimi, y haciendo alarde de poder visual, 'Oz: Un mundo de fantasía' nos trae, no una versión del 'Mago de Oz' sino que nos contará la historia del famoso mago, de como llego a ese fantástico mundo y cómo se convirtió en el mago más poderoso de dicho.

La película comienza casi como a modo de homenaje al film que hace ya casi ochenta años dirigiera Victor Fleming, con una fotografía en Blanco y Negro con formato 3:2. Y pasará a un espectacular y brillante colorido cuando mágicamente crucemos al genial y poderoso mundo de Oz.

Este nuevo film se inicia en un circo ambulante en Kansas, donde Oscar Diggs -el mago de oz- no es más que un charlatán, un timador, y un descarado rompecorazones, interpretado por James Franco que queda algo flojo en este papel al que se le podría haber sacado más partido. Por circunstancias Oscar emprende una huida que le lleva a subir a un globo que acaba siendo arrastrado por un huracán, que resulta ser la puerta hacia un nuevo mundo. Es aquí cuando vemos esa transición espectacular hacia el colorido más intenso que podáis imaginar. Y donde se ven un efectos visuales muy logrados -yo no la he visto en 3D y ahora lo lamento, creo que esos efectos deben ser una maravilla en ese formato, lo recomiendo-. Es un autentico festival de colores y magnificas panorámicas que descubren un mundo genial y poderoso, visualmente hablando. Esta creo que es la gran baza del film, aunque en algún que otro momento se deja notar una ligera pobreza al combinar imagen digital con real, pero perdonable; los efectos están muy logrados.

Tenemos mago, por supuesto no podían faltar las brujas que son malas malismas, buenas buenisimas y, oh sorpresa, guapas guapisimas. Interpretadas con más o menos acierto por Rachel Weisz, Mila Kunis y Michelle Williams y de las que volvemos a descubrir eso de que la verdadera belleza es la que está en nuestro interior. Para las mejores interpretaciones son las de los secundarios, aunque algunos son pura creación digital, como el mono y la niña de porcelana, pero son magníficos, emotivos y divertidos. Y el enano, genial.

La bondad, el esfuerzo personal, la confianza y la fe (tanto en seres superiores, como en uno mismo) y por supuesto, el valor de la amistad son elementos y temas fundamentales en esta película. Como siempre Disney nos ofrece una película que es agradable de ver y de disfrutar, pero de la que también sacamos lecciones o motivaciones para nuestra vida diaria. Como he dicho al principio quizá no sea la mejor película del año, ni tampoco en la que sus protagonistas hayan hecho un desbordante de derroche de talento, pero al menos es un film agradable, divertido y también emotivo, con el que disfrutan grandes y pequeños o, grandes que como yo durante dos horas vuelven a ser pequeños.


martes, 12 de marzo de 2013

'MYSTIC RIVER' AMISTAD, TRAUMAS, VIDA, MUERTE... OBRA MAESTRA


'Mystic River' 2003
Director: Clint Eastwood
Reparto: Sean Penn, Tim Robbins, Kevin Bacon, Laurence Fishbourn, Marcia Gay Harden, Laura Linney, Eli Wallach, Tom Guiry...

Si, ya se que en mi anterior post referido a Clint Eastwood catalogué de "obra maestra" su película, pero qué queréis que os diga, este hombre sabe como dirigir, y lo hace derrochando arte y maestría. Más aún cuando aquí es que es su prácticamente la primera película a la que se dedica por entero a la dirección para dejar de lado la actuación.

Aparentemente no es más que otra película del manido genero policíaco  pero ¡ah! no lo es, Eastwood va más allá de los convencionalismos, ahonda en lo más profundo del alma humana, en lo más oscuro y horrible que el ser humano puede mostrar y ofrecer, e incluso apelando a la falta de esperanzas y de alegrías. 'Mystic River' es una historia de las historias más trascendentales que Clint Eastwood nos había presentado hasta la fecha de la realización del film. Afortunadamente, no fue la única.


Eastwood contó además con un elenco que para mi es superior, excelente, y en mi más humilde opinión creo que todos y cada uno de los actores se contagiaron del buen trabajo que hacían y se superaron más y más. Sean Penn, Tim Robbins, Kevin Bacon, Laura Leanny, Marcia Gay Harden, Laurence Finshbourn, todos y cada uno de ellos más que interpretar, se convirtieron en sus personajes.

Con ciertas reminiscencias de cine negro, este film se devanea por los caminos del drama, el thriller, misterio... Para resumir, drama criminal que remueve conciencias.

El film se inicia presentado a Jimmy Markum (Sean Penn), Dave Boyle (Tim Robbins) y Sean Devine (Kevin Bacon) que siendo unos niños que se divierten en la calle de su barrio en la ciudad de Boston, viven un acontecimiento que marcará sus vidas para siempre, en especial, la de Dave. Años más tarde, y siendo ellos adultos, la tragedia los vuelve a unir muy a su pesar. La hija de Jimmy, Kate (Emmy Rossum) es brutalmente asesinada. Sean, que ahora es policía  es el encargado de la investigación del caso; pero además se verá obligado a no perder de vista a Jimmy que de alguna manera, busca tomarse la justicia por su mano.

Todo esto que como ya he dicho, puede parecer un convencional thriller policíaco  no es más que una excusa que usa Eastwood para indagar en la psique humana: nos presenta elementos como la culpabilidad, el perdón, la justicia. Habla de lo miserable del ser humano, de los fantasmas del pasado que nos persiguen a veces, incluso del destino que, inevitablemente, nos marca la vida.

Unos personajes marcados por la violencia y la desesperanza que ha surgido como consecuencia de los hechos que transcurren a lo largo de las vidas de cada uno de ellos,  y que podemos verlo no solo por lo que sus personajes cuentan, si no por la completa interpretación de los actores, sus gestos, sus miradas, sus silencios, sus manos... Todo habla y cuenta más incluso que las palabras.

La factura técnica de este film es exquisita. Una fotografía correcta, fantásticamente bien engranada con una iluminación que acentúa el aspecto dramático y que además acentúa la psicología de los personajes con esa media iluminación que deja los rostros en una medio penumbra, en la que los ojos adquieren mayor importancia, que casi como "pequeños faros" iluminan al espectador para adivinar el sentimiento, el carácter del personaje al que miramos. A lo que ayuda aún más esos certeros primeros planos. Geniales también son los encuadres y movimientos de cámara, así como algunos planos cenitales y generales, llegan a ser desgarradores.


'Mystic River' ese thriller policíaco que inesperadamente se convierte en drama criminal, que nos atraviesa el pecho para apretarnos el corazón con excelsa carga emotiva que se mantiene fotograma a fotograma, dejándonos con una idea clara de que todos estamos rodeados de un mal que permanece agazapado en la penumbra que en cualquier momento, casi sin esperarlo, está dispuesto a hacerse notar.

lunes, 11 de marzo de 2013

'EL GOLPE' DE UN GUIÓN CON FUERZA Y ORIGINALIDAD


'The Sting' 1973
Director: George Roy Hill
Reparto: Paul Newman, Robert Redford, Robert Shaw, Charles Durning,  Ray Walston, Eileen Brennan...

Después de unos días de silencio, tenia que volver a lo grande, y lo hago con un clásico que ademas es una genialidad que me encanta, 'El Golpe'. Película que es puro entretenimiento y espectáculo  que tiene una factura excelente. Además de unas interpretaciones soberbias y una banda sonora de las que marcan época.


En alguna ocasión he leído por ahí que lo mejor de este film es el final, y que como toda película comercial, hace solo lo que tiene que hacer, entretener... Bueno, esta claro que entretener entretiene, pero eso no significa que no sea una obra maestra, muy bien realizada y que satisface de principio a fin. Porque, no solo el final es bueno, es mejor que bueno; pero como lo es el resto de la película. Un guión de mucha fuerza, que tiene un apoteosico final.

-Una de las cosas que siempre me llama la atención es que algunos se sorprendan cuando el calificado "cine comercial" ofrece un peliculón como este. Se supone que el cine en gran parte se creo como un producto comercial... Como sea, eso es otra historia que tal vez comente en otro momento.-

Siguiendo con este maravilloso clásico; nos trasporta al Chicago de los años 30, Hooker (Robert Redford) y Gondorff (Paul Newman) son dos timadores que buscan vengar la muerte de un respetado y querido amigo, asesinado por orden de un poderoso gangster, Doyle Lonnegan (Robert Shaw); para ello llevan a cabo un en enrevesado plan.

Muchos son los aspectos que destacan de este film, y de hecho ya he mencionado varios, pero la originalidad de su guión y su fuerza es para mi lo más destacable. Original no solo por la historia, si no por la manera en la que se presenta, contado a modo de actos. Con diversas cartelas que presentan y diferencian cada uno de estos actos. La presentación de los personajes, y una magnificas interpretaciones por parte de los actores; en especial de Redford y Newman, cuyos personajes tienen una versatilidad extraordinaria. Soberbio Newman, sobre todo por su carácter más irónico y descarado. Y genial Robert Shaw, que hace más que creíble su papel de malo. Destaca también el elenco de secundarios, sobresalientes todos en cada uno de sus personajes. Siguiendo al hilo del guión, tengo que destacar los diálogos  brillantes, ingeniosos y con mucha gracia en muchos momentos.

Escenarios perfectamente bien elaborados y ambientados gracias un espectacular trabajo de dirección artística . A lo que se suma un diseño de vestuario que es una joya y que dicho sea de paso, le valió ganar un premio oscar en esta categoría.


Todo ello envuelto en una de las mejores y más recordadas bandas sonoras de la historia del cine, que a pesar del anacronismo que resulta ver el Chicago de los '30, con la música Ragtime de Scott Joplin de 20 años antes y retocada hábilmente por Marvin Hamlisch, resulta una delicia y un placer disfrutar de estas notas que se encadenan a la acción cinematográfica a la perfección. Una joya.

Y una joya en general es esta película, cuyo trio protagonista hace un trabajo soberbio, califico como duelo de titanes en la cumbre interpretativa, magistrales.  A los que no hayáis visto esta película os la recomiendo, mucho más incluso que alguna de las que ya os he hablado. Os garantizo un buen rato, de risas y tensión -porque tensión no falta- que mantiene al espectador pegado a la pantalla, inmóvil, atento y expectante.

 

miércoles, 6 de marzo de 2013

'TODO SOBRE MI MADRE' LA AUTENTICIDAD DE ÁLMODOVAR



'Todo sobre mi madre' 1999
Director: Pedro Almodóvar
Guión: Pedro Amodóvar
Reparto: Cecilia Roth, Marisa Parades, Antonia San Juan, Penélope Cruz, Candela Peña, Eloy Azorín, Rosa María Sarda, Fernando Fernán Gómez...

No soy una fanática del cine español, y los que me conocen lo saben, pero de lo que si soy una fanática es de Pedro Almodóvar. Sus películas son autenticas, hay un realismo que me encanta y sobre todo, lo que más me atrae es su manera de narrarlo. Con una clara influencia del cine clásico (del que soy una adicta total) lo cual es una de sus características más notables, pero destacan otras de las que soy "fans, así en plural": la reivindicación del melodrama, haciéndolo a través de contar historias en las que la mujer es principal protagonista. El uso de unos planos muy narrativos, en los que no faltan detalles, y que en muchas ocasiones se convierte en verdaderas piezas artísticas. El uso de una cuidada fotografía apoyada en una iluminación muy correcta que hace resaltar con gran intensidad los colores marca de la casa del universo Almodóvar.


Muchos son detractores del cine de Almodóvar, y no entiendo porqué, cuando jamás han visto una película suya -me consta porque alguno que otro me lo ha confirmado- Almodóvar refleja una realidad, no autobiográfica como alguno pretenden decir, no lo creo, aunque es cierto que todo creador siempre deja una huella de sí mismo y él lo hace claro; en mi opinión sus personajes más que autobiográficos son emocionales, llegan al corazón y es bastante fácil identificarse con alguno de ellos.

No voy a hacer un monográfico sobre Pedro Almodóvar, aunque lo haré. Hoy quiero hablar de una de 'Todo sobre mi madre' una genialidad que nos devolvió a una de las mejores actrices que ha dado el cine español, Marisa Paredes, y en la que descubrimos a todo un portento interpretativo, Antonia San Juan.

Manuela (Cecilia Roth) es una madre soltera que para complacer a su hijo Esteban (Eloy Azorín) que cumple 17, lo acompaña a ver la obra teatral 'Un tranvía llamado deseo' cuya protagonista es la actriz favorita de Esteban, Huma Rojo (Marisa Paredes). Al finalizar la obra el chico sale corriendo para pedirle un autógrafo, mientras el coche de Huma se aleja, Manuela tiene la desgracia de ver como otro coche atropella a su hijo. La vida de Manuela dará un giro de 180 grados, deja Madrid para volver a Madrid para buscar al que fuera el padre de su hijo. Encontrará en el camino a Agrado (Antonia San Juan) un travesti que le llevará a conocer a Rosa (Penelope Cruz), los giros que va dando la nueva aventura de Manuela le llevan, casualidades de la vida, se convertirá en la ayudante de Huma.

'Todo sobre mi madre' emociona, divierte, entretiene y deja frases e imágenes para el recuerdo. La plasticidad y el detalle artístico, practicamente pictórico de las composiciones es lo que más me atrae después de la historia. Planos subjetivos formidables, una excelente fotografía y una correcta ambientación. Un ritmo narrativo que en ningún momento decae. Un guión en el que hay un intencionado paralelismo con 'Eva al desnudo', se presenta con unos diálogos formidables, muy vivaces, con frases como ya he dicho, que se graban en la memoria -me quedo con la que cita "la Agrado" "Una es más autentica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma"-

La brillante interpretación del formidable elenco de actrices, destacando la debutante Antonia San Juan, Cecilia Roth que te encoge el corazón. Una desbordante Marisa Paredes. No me quiero dejar atrás a Candela Peña y Penélope Cruz que hacen un excelente trabajo.


Si hay algo autentico, en el universo Almodóvar, son sus bandas sonoras. Alberto Iglesias es el compositor habitual de sus películas, y cuando escuchas entiendes porqué. La música de Iglesias atrapa, hipnotiza, enamora, emociona. Con notables notas y compases del Jazz es una música inolvidable y fácilmente reconocible, destaco el tema "Tejabone" fantástico.

Si aún no habéis visto esta maravilla, no os guíes por absurdos prejuicios; pensad que muchas de las conversaciones que escucháis en los films de Almodóvar, son propias de la vida diaria, de esas que hasta yo tengo cada vez que me reúno con mis amigas para un café, de la misma manera que Manuela, Rosa, Huma y la Agrado lo tienen en el saloncito del piso barcelonés de Manuela. Real como la vida misma. Realidad, AUTENTICA realidad.

martes, 5 de marzo de 2013

'UNA HISTORIA DEL BRONX' UNA HISTORIA IMPRESCINDIBLE



'A Bronx Tale' 1993
Director: Robert De Niro
Guión: Chazz Palminteri
Reparto: Robert De Niro, Chazz Palminteri, Lillo Brancato, Francis Capra...

Cuando ves este peliculón excelente, y te dicen que fue el debut de Robert De Niro como director piensas: "no puede ser, ¡si parece que lleva toda la vida dirigiendo!". Una película sobre la mafia basada en una historia autobiográfica del propio Chazz Palminteri, De Niro dirige esta maravilla que en apariencia simple ira haciéndose más compleja a lo largo del metraje.

Años 60. El barrio neoyorkino del Bronx está controlado por un mafioso, Sonny (Chazz Palminteri) en el vive Calogero, un niño que presencia el tiroteo que unirá su vida a la de Sonny. La amistad entre el pequeño y el mafioso no es aprobada por el padre del crio, Lorenzo (Robert De Niro) un honrado conductor de autobús, empeñado en que su hijo se convierta en un hombre honesto y sobre todo honrado. Su principal preocupación es el bienestar de su hijo, su buena educación y que no malgaste su talento entre mafiosos. Pero Calogero crecerá debatiéndose entre el dilema que le plantea la protección de ambos hombres, la natural honradez de su padre o la facilidad económica que el fascinante Sonny le propone. Pronto Calogero se verá obligado a tomar una decisión.

La dirección por parte de De Niro, como ya he dicho antes es una maravilla, magistral. Planos sensacionales, geniales movimientos de cámara y ángulos perfectos. Secuencias perfectamente engranadas. Se puede hasta observar la influencia del maestro Scorsese. Una fotografía muy correcta y cuidada. Un ritmo narrativo ágil que no decae en ningún momento y un guión con diálogos brillantes, que toca temas como la familia, la pobreza, el crimen organizado, el amor e incluso el racismo. Planteando multitud de reflexiones y conclusiones de los personajes.


En el plano interpretativo, como siempre Robert De Niro sublime, su papel de honrado padre que trata de guiar a su hijo por el buen camino. No se queda corto, ni mucho menos, Chazz Palminteri, que en su papel del mafioso Sonny lo borda. Junto a dos pesos pesados como estos, los dos encargados de dar vida a Calogero, Lillo Brancato (Calogero 17 años) y Francis Capra (Calogero 9 años) lo tenían muy difícil, pero ambos hacen un trabajo excepcional, destacando Capra sobre el que cae la mayor parte de responsabilidad del personaje. Grandes todos.

Un apartado especial merece la banda sonora, con éxitos de los años 50 y 60, de esos que no pasan nunca de moda y que encajan a la perfección con la narración de la historia. Es más, creo que en algunos casos, esta película no sería la genialidad que es si no se hubieran empleado las canciones que se usan. Música y escena se convierten en el matrimonio perfecto.

Una realización magistral de la historia de un padre honesto que lucha por dar la mejor educación posible a su hijo. La historia de un hijo que coquetea con el dudoso y fácil modo de conseguir éxito y dinero que le muestra su admirado mafioso. La historia de unos talentos malgastados que tratan de sobrevivir en una zona humilde y casi marginal, cada uno a su manera.

En resumen, lo que esta 'historia del Bronx' muestra es lo que yo considero una historia imprescindible para todo aquel que disfruta del buen cine.


domingo, 3 de marzo de 2013

'MONEYBALL' ROMPIENDO LAS REGLAS


  



Moneyball 2011
Director: Bennett Miller
Reparto: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Chris Pratt, Stephen Bishop...

Aunque en apariencia veamos este film como una lucha de los protagonistas contra la adversidad financiera de un equipo modesto, ante la superioridad aplastante de los más poderosos, va más allá. Se propone una lucha contra una cerrada e incomprensible "tradición", contra la superficialidad y una lucha por la renovación, el avance.


Billy Beane (Brad Pitt) es el manager general de un modesto equipo de la liga nacional de Béisbol, los Athletics de Oakland, que tras la finalización de la competición en 2001 ve como los grandes equipos de la liga se empiezan a llevar a sus mejores jugadores. Billy que fue un jugador que de manera inexplicable vio su carrera truncada, se empeña en llevar a su equipo al triunfo. Desafortunadamente su presupuesto no le permite hacerse con los jugadores más valorados, aunque, casi por casualidad, conoce a Peter Brand (Jonah Hill), un joven que estudia a los jugadores y se decanta por seleccionar jugadores recurriendo a métodos nada tradicionales. Billy confiará ciegamente en este nuevo método.

No esperéis aprender nada de Béisbol en esta película, pero tal vez si se pueda aprender una bonita y practica lección para la vida; hay mucho más valor dentro de nosotros del que superficialmente podemos demostrar. Muchos de los jugadores que aparecen en la película fueron rechazado por los equipos principales por su edad, por su forma extraña de lanzar, por su comportamiento fuera de la pista o sencillamente por su aspecto físico. Pero no prestaron atención a sus verdaderas cualidades, a su potencial como jugadores -que dicho sea de paso, ¿no se supone que es eso lo que los equipos debería valorar?- Pues si lo trasladamos a la vida, esto es lo que nos ocurre casi a diario. La idea de Peter y Billy es hacer jugar a los jugadores según está previsto que jueguen, acorde a lo que sus cualidades les permiten. Nos ofrece, más que una moraleja tonta, es un aprendizaje sobre como en ocasiones hay que replantearse ciertas cosas y buscar la manera de renovarnos para una mejor evolución de nosotros mismos.

Un guión excelente, con unos diálogos brillantes con los que los actores parecen estar muy cómodos y a través de los cuales sus personajes cobran vida de forma muy veraz. Brad Pitt soberbio.


Una de las cosas, que me ha enamorado del film (no, no es Brad Pitt, que también) es su fotografía y muchos de sus planos, planos de situación en su mayoría que se convierten en postales dignas de ser enmarcadas. Planos intensos por su carga emocional o más bien psicológica, es genial ese del principio en que Brad Pitt esta solo con sus pensamientos en las gradas del estadio. Los primeros planos planos también apoyan de manera magistral dichas psicologías. Fascinante. La iluminación perfecta para cada toma, casi crepuscular, dando una cierta carga dramática que hace aun más perfecta cada escena, cada plano. Se suman algunos flashbacks y film montages que están perfectamente cosidos al resto de la historia. Rematado todo ello con una dulce y tranquila banda sonora.

No os dejéis llevar por el prejuicio de ser una "americanada deportiva", por ser una película que habla de Beisbol, porque no lo es, va más allá de la búsqueda del triunfo en el entretenimiento estadounidense por antonomasia; su contenido es mucho más profundo y aunque si llega un momento en que las estrategias de Billy y Peter, y sus emociones te atrapan y te hacen meterte de lleno en la competición misma como si fueras un fan más de los A's. Creo que la película, no solo cumple su cometido de entretener, porque entretiene, aunque al principio parezca que no. Además nos abre el camino a entender y a aplicar algunos elementos que pueden ser esenciales para la vida misma. Y es que a veces para lograr lo que queremos en esta vida, solo podremos hacerlo 'rompiendo las reglas'.
Yo la recomiendo, porque al final os dejará buen sabor de boca.
 


sábado, 2 de marzo de 2013

'DESPERTARES' DE NIRO, MAESTRO DE LA INTERPRETACIÓN



'Awakenings' 1990
Directora: Penny Marshall
Reparto: Robert De Niro, Robin Williams, Julie Kavner, John Heard, Penelope Ann Miller, Max Von Sidow...

Puede que para muchos este film sea desconocido, por eso os voy a recomendar, a esos que no la habéis visto que no la dejéis pasar, y os hagáis con tiempo para verla. Y a los que la habéis visto, como siempre os digo, ¿por qué no ver otra vez un buen peliculón?

'Despertares' nos ofrece una sobrecogedora narración de una historia que se basa en hechos reales. Una epidemia de encefalitis -extraña enfermedad que ataca al sistema motor provocando la total inmovilidad- afecto a un cierto número de personas en los años 20. A comienzos de los 60 un medico, Malcolm Sayer (Robin Willims) que se dedica hacer investigaciones, comienza una nueva experimentación con algunos de estos pacientes catatónicos a los que trata. Leonard Lowe (Robert De Niro) será el principal objeto de sus investigaciones probando un nuevo fármaco que sorprendentemente dará resultados satisfactorios. Leonard comienza a reaccionar y vuelve a la normalidad. Dado el éxito del fármaco, el Dr. Sayer decide administrarlo al resto de pacientes, con idéntico resultado. Es a partir de entonces, cuando los escépticos colegas del doctor, y los familiares de los enfermos aceptan el milagroso éxito del medico y su tratamiento.

Con un trasfondo melancólico y triste, pero con un ritmo narrativo excelente, que te mantiene "despierto" ante todo lo que acontece, va transcurriendo este emotivo film que nos va a presentar a un medico dedicado a sus pacientes y sobretodo preocupado por ellos. Pero también nos plantea las complejidades que se ocultan en el cerebro humano.


Para mi lo mejor de esta película es sin duda la grandiosa y poderosa interpretación de Robert de Niro, es una interpretación soberbia, su sola presencia, su expresión, su medida gesticulación, sus reacciones, tanto psiquicas como físicas... Todo en él es digno de ser observado minuciosamente.
Pero no solo la interpretación de De Niro provoca las emociones, el resto de pacientes y su evolución nos hacen compartir sus emociones con ellos, las reacciones ante lo desconocido -después de 30 años son muchas cosas nuevas las que deben descubrir- sus temores y sus alegrías; el anhelo por una vida normal. Todo narrado con dulzura y melancolía pero siempre con una notable carga de esperanza y demostración de la alegría de vivir. Nos mantiene en muchas ocasiones con el nudo en la garganta.

En los aspectos técnicos son destacables algunos planos y escenas en las que se nos presenta a los personajes y sus actitudes. Una cuidada fotografía apoyada en un excelente trabajo de iluminación, magnifican aun más, si es que es posible, la interpretación sobresaliente de Robert De Niro, del que tengo que decir que llegas a creer que realmente estaba padeciendo esta terrible enfermedad.


La banda sonora, es una autentica delicia, y además favorece ese ambiente melancólico que sobrevuela en todo momento a este drama.

Sencillamente una historia de superaciones, de la lucha de un hombre por ofrecer una mejor vida a otros; y la lucha de unas personas por afrontar su destino. 

viernes, 1 de marzo de 2013

'GRAN TORINO' GRAN OBRA MAESTRA DE UN GRAN GENIO


'Gran Torino' 2008
Director: Clint Eastwood
Reparto: Clint Eastwood, Bee Vang, Ahney Her, Chirstopher Carley, Brian Haley, Geraldine Hughes, John Carrol Lynch...

Llega el momento en que tengo que hablar de una de las películas que más me fascina de Clint Eastwood, actuando y dirigiendo. Una vez más el maestro Eastwood sorprende y sobrecoge, con una historia, que aunque parezca ya mil veces contada, no lo ha sido del modo en que lo ha hecho el viejo Clint. Se mezcla el humor y el drama, pero todo en una medida exacta y justa, para darle esa dosis de realidad que la hace ir más allá de una simple película entretenida. Entretiene sí, pero cala hondo su mensaje también. Y lo mejor es que cuando terminas de verla, acabas satisfecho de buen cine.


Los temas del universo Eastwood están presentes, la familia, la guerra, la perdida de la fe, el patriotismo, las diferentes etnias; todos estos elementos envuelven a un personaje hecho a su medida,Walt Kowalski (Clint Eastwood) gruñón y atormentado, cuyo máximo y más preciado tesoro en esta vida es su coche, su Gran Torino del 72. Sentado en el porche de casa se convierte en vigilante incansable de su tranquilo vecindario, el cual en los últimos años ha sufrido un notable cambio multirracial, en el que la violencia producida por las distintas bandas callejeras. Poco a poco tendrá que ir asimilando este hecho y debido a las circunstancias  se va a ver obligado a cambiar algunas de sus ideas.

Un guión perfectamente construido y desarrollado. Con una minuciosa descripción de los personajes al principio, que otorga a los personajes una indiscutible veracidad en su proceso de evolución a lo largo del film; siendo de todos ellos el de Eastwood el más memorable. Roba cada una de las escenas, cada frase, cada gesto, se graban intensamente en la mirada y la memoria del espectador. Siguiendo al hilo de esto, es imprescindible destacar en esa evolución de Kowalski, su inesperada y sorprendente, conexión con dos de los personajes.

Claro está que a una buena historia, con muy buen reparto, no podía defraudar en su parte más técnica y por supuesto, la cinematografía es magistral, de libro. Esquema propio de las grandes obras del cine clásico con sensacionales planos que retratan perfectamente la psicología única de cada personaje. Una iluminación de interiores fantástica, obra de Tom Stern (con quien también en 'El intercambio' y de la que ya os hablaré) y que da una soberbia carga dramática y gran fuerza expresiva a los personajes. 

Un perfecto retrato del choque cultural, de la negación por parte de aquel que se encuentra anclado y encadenado a su pasado, a los cambios que se han producido y se producen, pero que muy a su pesar irá asumiendo, sin perder su severidad y un ácido toque de humor -tan propio del bueno de Clint- Atención sobre todo a su amistad con el barbero, soberbio. Importante también su entusiasmo, su adoración a la obra de arte, convertida en coche que es su "Gran Torino" y que aquí se convierte en el perfecto nexo de unión de dos culturas, de dos mundos opuestos.


No quiero terminar sin hacer un apunte a la sensacional banda sonora, compuesta en gran medida por Kyle Eastwood. Enmarca de una manera sensacional al film, pero especialmente en los momentos en que el protagonista va armado. Destaco también los créditos finales, donde se puede oír la inconfundible voz del director que se atrevió a cantar el inicio de este tema principal de la película.

En definitiva, otra obra maestra, cargada de sensibilidad y emociones. Con un magnifico toque de humor y realidad que nos dará un buen golpe para llevarnos a profunda reflexión. Como digo, una obra maestra (en mayúsculas) digna de ocupar un sitio privilegiado en la filmoteca de todo cinefilo.