lunes, 29 de abril de 2013

'MATCH POINT' PSICOLOGIA DEL AZAR




'Match Point' 2005
Director: Woody Allen
Reparto: Jonathan Rhys Meyers, Scarlette Johansson, Emily Mortimer, Matthew Goode, Brian Cox, Penelope Wilton, Alexander Amstrong...

Muchas veces hemos pensado que las cosas pasan por un golpe de buena o mala suerte, y todos hemos deseado ese magnifico golpe de suerte que nos cambie la vida. Pero ¿nos hemos planteado alguna vez el precio de la suerte? Pues básicamente eso es lo que hace Woody Allen con su film 'Match Point? una autentica reflexión sobre la suerte que otorga el azar. Nos plantea una situación en la que seas chico o chica te pones en la piel del protagonista, imaginando que harías si te encontraras, caprichos del azar, con una situación semejante.


Chris (Jonathan Rhys Meyers) es un joven tenista retirado de la competición y que se establece en Londres como profesor de tenis. Su carácter de deportista y competidor le llevan a ser un hombre ambicioso dispuesto a todo para cumplir sus metas. Esto le lleva a casarse con Chloe (Emily Mortimer) hija de un rico empresario londinense, a pesar de tener una obsesión casi enfermiza por una joven a la que conoce en una fiesta, Nola Rice (Scarlett Johansson) una joven actriz fracasa americana, algo excéntrica pero que mantiene fascinado a Chris. El azar, las pasiones, y sobre todo sus ambiciones van a llevar a Chris a realizar una serie de acciones que van a determinar su vida y la de los que le rodean.

Esta fue la primera película que Allen rodó íntegramente fuera de Nueva York, y personalmente pienso que con gran acierto, porque casi sin darnos cuenta retrata a la ciudad y la hace personaje secundario callado.

La historia nos muestra al joven Chris y sus artimañas para conseguir todo cuanto se propone. Parece plantearnos el importante papel que juega la suerte en la vida. El azar plantea una serie de inquietantes dudas que al protagonista de esta historia van a afectar de manera significativa. Ese toque tan psicológico y a veces confuso que tanto le gusta al director neoyorkino es la máxima de este film, que tan bien tratado y expresado está en la interpretación de Rhys Meyers. Y por supuesto,  en la dirección de Allen, pero eso creo queda subrayado ya.

No solo Rhys Meyers hace un excelente trabajo, Scarlett Johansson destaca gratamente en su interpretación, junto con la del resto de actores. Un reparto de gran categoría artística que satisfacen y mucho.

Una fotografía de una calidad y calidez excelente, hay una definición de la belleza maravillosa que destaca gracias a una bien elegida gama de colores pastel. Unos planos y movimientos de cámaras que enmarcan a personajes y paisajes casi como si los viéramos a través de las pinturas colgadas de un museo, belleza en estado puro. Un guión potente, bien estructurado, cuya carga dramática va en ascendiendo en un ritmo propio de una opera italiana o alemana, y que además se apoya en unos sutiles toques de humor e ironías que estás presente a lo largo de todo el film. Todo ello envuelto, esta vez no por el jazz al que nos tiene acostumbrados, si no por fragmentos de grandes operas italianas y francesas.

Aunque en este film no haya inventado nada, y que casi sea una ligera adaptación de 'Crimen y Castigo', Woody Allen ha realizado una obra maestra del cine actual. Destaca por la madurez, la noción que deja de su propia personalidad, te hace adivinar, más aún, cuales son su inquietudes personales, sus pensamientos, sus reflexiones. Logra que este film te mantenga con una emoción constante, el corazón latirá con fuerza hasta el final, cuando sentirás que... estallará o no?

miércoles, 24 de abril de 2013

'SNATCH: CERDOS Y DIAMANTES' UNA JOYA DE LA COMEDIA NEGRA BRITANICA


'Snatch' 2000
Director: Guy Ritchie
Reparto: Benicio del Toro, Dennis Farina, Vinnie Jones, Brad Pitt, Rade Serbedzija, Jason Statham, Alan Ford, Mike Reid, Robbie Gee, Lennie James, Ewen Bremner, Jason Flemyng, Stephen Gramham...

Si hay una película de esas que da igual cuantas veces pongan en televisión que, no te cansas de ver es, sin ningún genero de dudas 'Snatch: cerdos y diamantes', y no solo porque el siempre atractivo Brad Pitt salga sin camiseta... Que puestos también es una buena razón para verla... Vale, ya me pongo seria otra vez.


Cumple con la idea de película entretenida, a la que no le falta la acción y dotada de un gran sentido del humor y a la que Guy Ritchie ha sabido darle un ritmo intenso, y en ocasiones frenético que mantiene al espectador atento al cien por cien de todo cuanto acontece.

Normalmente aquí es cuando os doy una breve sinopsis del film, pero teniendo en cuenta lo complejo de dicho argumento, y las mil y una situaciones que se presentan y, teniendo en cuenta que no me gusta revelar ninguna sorpresa, os digo brevemente que todo gira en torno a unos ladrones de diamantes, que caen en una trampa y un mafioso que organiza combates de boxeo ilegales, un par de "buenos chicos" que intentan ganarse la vida con estos combates y un particular grupo de gitanos... La desaparición de un valioso diamante, va a provocar multitud de situaciones en los que el fraude, las mentiras, el chantaje, se van a mezclar de manera caótica con perros, dinero, armas, y boxeadores.


Como he dicho al comienzo del articulo, es una película que no te cansas de ver. Los actores, entre los que se cuentan los habituales de Ritchie: Jason Statham, Jason Flemyng o Vinnie Jones; todos y cada uno de ellos, están geniales en sus interpretaciones, pero ninguna supera la soberbia interpretación de Brad Pitt, quien ha sabido demostrar que es más que una cara bonita, y aquí lo demuestra con creces, interpretando a un despreocupado boxeador gitano y una particular forma de hablar, no deja indiferente a nadie.

Una de las cosas que me encanta de esta película es su ritmo narrativo, tan descontrolado a veces, una autentica locura que se acentúa magistralmente con unos bien elegidos y usados trucos de cámara, que además nos acercan a descubrir la tensión y presiones que viven los personajes en cada situación.
Un guión de lo más original, electrizante, con gran fuerza, que presenta un sin fin delirantes y absurdas situaciones. Personajes e historia rocambolesca, que no para de enredarse cuanto más avanza la cinta, pero que absorbe al espectador de principio a fin. Diálogos cargados de cinismo y por momentos rozando el surrealismo, con los que alguna carcajada se escapa y además son bien recibidas.

Destacable es la banda sonora, que no tiene desperdicio la mires por donde la mires; o más bien, la escuches por donde la escuches. Suenan canciones de míticos grupos como OasisThe Specials; y como no, no podía faltar alguna que otra de siempre incombustible Reina del Pop, Madonna, a fin de cuentas por la época en la que se rodó la película era la esposa de Ritchie.


En alguna publicación leí comparaciones de esta película con 'Pulp Fiction' y por ello le daban mala critica. Sinceramente, no veo lógico tal comparación porque Ritchie supo dar su personal toque a este film y bajo mi punto de vista poco se parece al de el señor Tarantino. A mi personalmente me resulta una película de lo más entretenida, con la que pasar un buen rato y además divertido; a lo que sumo lo que yo llamo una dosis de cine del bueno y bien hecho. Una autentica joya del cine británico que considero imprescindible para los amantes del buen cine.

lunes, 15 de abril de 2013

¡POR FIN! EL TRAILER DE 'THE HUNGER GAMES: CATCHING FIRE'


Esta madrugada se ha celebrado la entrega de premios 'MTV Movie Awards' en la que, como viene siendo habitual, se estrena el tráiler de alguna película que el publico espera con muchas ganas. Y este año esa película es 'Cathcing Fire' (En Llamas como la conocemos en España) segunda parte de la trilogía de 'Los Juegos del Hambre'.

Soy una fan incondicional de esta trilogía. Primero de los libros, novelas que enganchan de principio a fin y de las que puedo asegurar que una vez empiezas a leer difícilmente puedes para. La adaptación cinematográfica de la primera 'Los Juegos del Hambre' fue todo un acierto, bajo mi punto de vista respeta mucho la novela, gran fidelidad con lo que le se ha leído en la novela. Eso mismo se espera de esta segunda parte, en la que tengo las mismas buenas expectativas a pesar del cambio de director... No creo que defraude, el tráiler ya me ha enganchado! Aquí os dejo el tráiler, nos toca esperar hasta Noviembre para ver el resultado y "¡Qué la suerte esté siempre de vuestra parte!"
 

jueves, 11 de abril de 2013

'TORO SALVAJE' EL BOXEO HECHO ARTE



'Raging Bull' 1980
Director: Martin Scorsese
Reparto: Robert De Niro, Joe Pesci, Cathy Moriarty, Frank Vincent, Nicholas Colasanto...

Muchas son las películas que se han hecho tratando la temática del boxeo, pero como en todo combate, solo uno es el vencedor. En este caso, vencedora por K.O. técnico, 'Toro Salvaje'.
Y es que el equipo pugilístico es insuperable, Martin Scorsese y Robert De Niro, son el equipo perfecto para hacer de un film un triunfo seguro.


En un periodo de extraña decadencia que estaba viviendo el cineasta italoamericano, su actor fetiche le propuso llevar al cine la historia de Jake LaMotta, campeón del mundo del peso medio de 1949. Parece ser que Scorsese se sintió identificado con el boxeador, y a Dios gracias, acepto la sugerencia de De Niro, quien protagonizaría este film.

Jake LaMotta (Robert De Niro) es un joven boxeador que junto a su hermano Joey (Joe Pesci), que es además su manager, se prepara para luchar por el titulo de campeón mundial de los pesos medios. Aunque sus paranoias y su exceso de violencia le hacen descargar su ira dentro y fuera del ring. Desgraciadamente cuando por fin consigue el éxito, su vida se convierte en una pesadilla. Las presiones de la mafia; su matrimonio va cada vez peor, y su carrera profesional se hunde.

La historia como os imagináis, responde al típico tema de este genero cinematográfico de "más dura será la caída"; aunque en este caso concreto, a mi parecer, el tema se trata de una forma más profunda y certera que en otras. El film se convierte en una metáfora del sacrificio personal, además del castigo más severo como consecuencia de los imprudentes e irracionales actos que una persona lleva a cabo.

La narración pasa por contar varias décadas de la vida de LaMotta en la que desde el principio se establecen las relaciones que marcan su vida; la relación con su hermano, con su esposa y la que padece consigo mismo. Digo padece, porque desde el mismo inicio se percibe que el peor enemigo del señor LaMotta es: él mismo.

Personalmente lo que más me fascina de esta película -a parte de la genial interpretación de De Niro- es su forma de ser narrada y sus aspectos técnicos (creo que poco a poco mis lectores habituales habréis descubierto que la parte técnica es la que más suelo disfrutar)  Empezado por la no siempre fácil elección de la fotografía en Blanco y Negro, en una época en la que el color es ya dueño y señor de la industria. Pero en este caso la mayor fuerza de la narración radica precisamente en el B/N. Sinceramente, no me imagino esta película en color, creo que no habría sido la genialidad que es, ni tendría la expresividad y calidad que tiene. Además confiere en muchos aspectos una plasticidad soberbia, recurriendo en ocasiones a un alto contraste con el que potencia la carga dramática del momento narrado.

Y es que si en algo destaca Scorsese en la forma magistral que tiene de dirigir sus películas, ofreciendo una cantidad y calidad de planos muy correctos y expresivos en los que solo la imagen habla por sí misma. Soberbios los planos y la cámara lenta en los combates, un montaje espectacular y muy preciso, en el que no se disimula la violencia y la brutalidad de un combate de boxeo. Rodado de tal manera que en ocasiones pareces estar viendo un combate real. De lo mejor que jamás he visto en cuanto a combates rodados se refiere. Siempre dinámico. Impactante. Otra prueba de la precisión del montaje es, la combinación de esas imágenes que acabo de comentar, y la unión a unas imágenes más felices, relajadas y bellas de que lo que se supone son unas filmaciones familiares y caseras de los protagonistas, en las que no se ha escapado ni un detalle, dejándose ver incluso las imperfecciones de esas películas caseras que se hacían en super 8.


Por supuesto no puedo dejar de comentar la soberbia, brillante, magistral; podría utilizar un sinfín de adjetivos para definir interpretación del maestro Robert De Niro, pero no se con cual se le haría más justicia a su formidable trabajo. A lo que hay que añadir el enorme esfuerzo que tuvo que realizar detrás de las cámaras. Una vez que se rodaron todas las escenas del luchador en acción, hubo que esperar tres meses para que De Niro engordara los treinta kilos de más que requerían las escenas finales de su personaje.
Aunque De Niro no es el único que hace un trabajo excelente, Cathy Moriarty hace una interpretación a la altura de su partener, desgarradora. Y ¿qué puedo decir de Joe Pesci? brillante también, claro. Y es Scorsese saca lo mejor de este actor siempre.

Una vez más os tengo que recomendar, sobre todo a los que no la hayan visto aún, que la veáis. Es una historia directa sobre alguien que de la nada llega a lograr éxito. Éxito efímero del que la caída es aún más dolorosa de lo que cabe esperar. Un intento de recuperación que se hace más a nivel espiritual que física o material. Por hacer un resumen de lo que el propio director comentó sobre el film y el personaje de LaMotta.

Lastima que esta película solo consiguiera dos oscars (mejor actor y mejor montaje) Aunque que más da cuantos premios tenga una película, cuando esta es una de las películas más estremecedoras y mejor rodadas sobre la autodestrucción y la soledad. Una obra única e imprescindible para los que amamos el cine.


miércoles, 10 de abril de 2013

'SIETE ALMAS' SIETE VUELTAS A LA CONCIENCIA


'Seven Pounds' 2008
Director: Gabrielle Muccino
Reparto: Will Smith, Rosario Dowson, Woody Harrelson, Barry Pepper, Michael Ealy...

Recuerdo que cuando fui a ver esta película al cine fue después de haber leído una serie de criticas nada buenas, y lo único que parecía haberles gustado algo a los críticos, fue el cambio de registro de Will Smith, de la comedia al drama, aunque no le daban muy buena calificación. Por supuesto, jamás me dejo llevar por lo que digan otros, y mucho menos cuando algo me atrae de verdad, como fue el caso de este film.


Después de ver este melodrama estuve algo contrariada con la opinión de los críticos. Es cierto que en algunos momentos los personajes que rodean al de Smith están algo estereotipados, y el guión en según que momentos pueda resultar algo efectista, pero decir que el film solo tiene sentido el los últimos minutos es hablar mucho y mal. El sentido de la película en mi opinión queda bastante claro durante el desarrollo de la misma, y obviamente al final es cuando todo queda totalmente enlazado. Pero no es ese típico melodrama que busca la lágrima fácil, y cuando haya terminado, se acabo lo que se daba. No es eso para nada. Esta película busca remover la conciencia, hacerla despertar y descubrir, como a través de un espejo, por donde se mueve y cómo.

Will Smith interpreta a Ben Thomas, un inspector de hacienda que de manera altruista decide ayudar a una serie de personas que según una serie de requisitos merezcan dicha ayuda. Las razones que le llevan a realizar esta labor son un misterio, aunque cuando conoce a Emily Posa (Rosario Dawson), una joven enferma a que investiga hacienda, hará que sus inconfesables planes comiencen a tambalearse.

Como veis el argumento casi parece contarnos la película, pero nada más lejos de la realidad. Ya sabéis que el spoiler no va conmigo. Como decía, el film abre una puerta a nuestra propia conciencia, a valorar esas pequeñas cosas que poseemos y casi nunca, o nunca le damos importancia; al ver como nuestra vida puede cambiar en unos segundos, esos detalles que no vemos por nosotros mismos, y que una película como esta nos pone delante.

Me gusta porque no es el típico drama en el que lo que ocurre, pasa porque sí, en el que ya esta todo pensado y tú solo tienes que sentarte a ver. Ni hablar, es una película para pararte a respirar, cerrar los ojos y pensar por ti mismo. Hacer un auto-examen de conciencia.

Reconozco que las interpretaciones no son brillantes y ni especialmente remarcadas aunque, Will Smith si que resalta sobre el resto. Da a su personaje un aire muy especial, un toque diferente a lo que nos tiene acostumbrados. Me apena que no se le valorara la actuación que realiza del modo que merecía. Su actitud y su presencia a lo largo de la cinta son formidables para el personaje que interpreta, su melancolía te atrapa, manteniéndose en todo momento con una emoción contenida (o al menos así es como me sentía yo)

En cuanto a los aspectos técnicos tengo que decir que me fascinó esa estética fría, de luz tenue y poco brillo, melancólica de la fotografía y que se combina a la perfección con el carácter más bien cálido y luminoso de la ciudad en la que se desarrolla la historia, Los Ángeles, cuando la escena lo requiere.
Hay planos de gran carga emocional, y de una intensidad sobrecogedora, especialmente los que destacan la psicología y emociones de Smith.

Mención aparte merece la banda sonora, que es una de las mejores que he podido escuchar en el cine de los últimos años. Alude a los sentimientos en todo momento, busca tensión y valga la redundancia apela a las emociones, dando también un hilo de esperanza.

Sinceramente,  "Siete Almas" no deja impasible al espectador. Remueve las emociones, los sentimientos afloran, y por supuesto, no solo en los últimos minutos. A mi parecer, es una película que se debe disfrutar, sentir y reflexionar. Hay que dejarse atrapar por cada fotograma, por cada suspiro, lágrima o gesto. Por cada momento de luz y oscuridad. Dudo que nadie que haya visto está película no haya sentido algo o haya pensado en su propia vida, en lo que ha vivido o ha dejado de vivir, en si está malgastando su vida sin vivirla. No creo que nadie no haya pensado en eso tras verla, porque si hay algo que está película consigue es: llegar al alma.

lunes, 8 de abril de 2013

SARA MONTIEL, ADIÓS A LA GRAN DIVA DEL CINE ESPAÑOL


A los 85 años, María Antonia Abad Fernandez 'Sara Montiel' ha fallecido hoy en su casa del madrileño barrio de Salamanca. Nacida en Campo de Criptana (Ciudad Real) llegó a interpretar casi medio centenar de películas, siendo en los 50 y 60 la actriz española mejor pagada; además de actuar en otros tantos espectáculos de variedades.

Saritísima, como llegó a ser conocida, deslumbró con su belleza a los españoles en la época dorada del cine, los años 50. Y no lo hizo solo aquí en España, sino que sin saber ni dos palabras en inglés fue la primera actriz española en pisar la meca del cine. Hollywood se rindió a sus pies y a su belleza.Estuvo casada con el director Anthony Mann y trabajó con actores como Gary Cooper, Burt Lancaster o Mario Lanza, actores que no pudieron resistir su belleza.

Curioso que sin saber nada de inglés actuó en este idioma, aprendiendo fonéticamente los guiones, aunque por supuesto la pronunciación le jugó malas pasadas dejando para el recuerdo divertidas anécdotas como la que se produjo cuando tenia que decirle a Gary Cooper "Do you want to FIGHT with me? (¿quieres pelear conmigo?)" el cambio de pronunciación le llevó a decir otra palabra con 'F' con la que Cooper interpretó ¿quieres acostarte conmigo? a lo que Cooper respondió que "por supuesto".

Otro de los míticos actores de Hollywood con los que Sara tuvo algún encuentro fue James Dean, y con él estuvo a punto de estar en el coche en el que actor falleció, el destino evitó que nuestra Sara subiera a aquel coche.

Una de sus películas míticas o para muchos fetiche, fue 'El ultimo cuple' que significó la consagración de Sara Montiel como diva y además sirvió para dar a conocer su peculiar voz grave como cantante, una sensualidad única que ella supo ofrecer al cantar la icónica 'Fumando espero'. 

Otros titulos protagonizados por la artista fueron 'Locura de amor' con la que se dio a conocer internacionalmente, 'Veracruz', 'Furia roja' rodadas en América. 'La dama de Beirut', 'La Violetera' o 'El último tango' son algunas de sus películas más recordadas.

Una mujer única, a la que siempre he llamado -y estén o no de acuerdo conmigo- "nuestra Elizabeth Taylor" por ser ambas, mujeres de carácter, con una belleza sin igual, independientes, de personalidades atrayentes y arrolladoras. Y es que Sara poco podía envidiarles a esas grandes divas de Hollywood, porque además ella también lo fue, quizá en menor medida, pero a pesar de la rimbombante y excéntrica vida que parecía llevar, era una mujer admirada, adorada y respetada por el público. 

Una diva de las que ya quedan pocas, a la que pocos le podían hacer sombra pero que todos veían su luz. Una diva que era un derroche de feminidad. Una furia española que hasta el último momento mostró carácter  una mujer que con 85 años seguía teniendo el espíritu de una mujer joven dispuesta a subirse a un escenario si se lo pedían.

La última de las grandes divas, una mujer que estoy segura ha marcado en muchos sentidos a generaciones, una belleza inigualable, un carácter atronador y fuerte; jovial y divertida. Sara fumó su último Montecristo esperando al hombre que quería, cantó su último tango en la tierra para unirse en el cielo con belleza renovada a los que una vez disfrutaron de su presencia y ahora lo harán eternamente. Adiós, Sara!



'LA DAMA DE HIERRO' HOMENAJE A UNA LIDER TENAZ


'The Iron Lady' 2011
Director: Phillyda Lloyd
Reparto: Meryl Streep, Jim Broadbent, Anthony Head, Richard E. Grant...

Cuando nos disponemos a ver una película que trata la biografía siempre esperamos descubrir cosas nuevas sobre la persona retratada, y muchas veces se consigue, otras no tanto. Pero sí, en muchas ocasiones, nos encontramos con una biopic que de alguna manera homenajea al personaje a tratar, y en el caso de 'La Dama de Hierro' creo que es así. por eso, hoy que la exprimera ministra británica  Margaret Thatcher ha fallecido, he visto gran oportunidad para comentar, el excelente homenaje que Meryl Streep hizo a esta influyente mujer con su soberbia interpretación en 'La Dama de Hierro' titulo del film y apodo con el que se conocía a esta inigualable Primera Ministra Británica.


Cuando digo homenaje, no lo digo como un alzamiento a los altares de la figura de Margaret Thatcher, para nada lo veo así, pero si creo que se hizo con gran respeto hacia esta mujer. Fiel a sus ideas y sus principios, tenaz y firme en sus decisiones, apoyada siempre en ese férreo carácter que le valió ganarse el apodo de "dama de hierro"

El film se nos presenta a modo de reflexión y repaso de una vida a modo de flash-back conoceremos a la joven Margaret, su introducción a la política  la guerra por las Malvinas, la huelga de mineros, la guerra fria... Todo ello se analiza y se reflexiona ofreciendo tímidamente una idea de si todo eso valió o no la pena.

A pesar de que no es una gran película, no de esas que marquen un hito para la historia del cine, cumple su cometido, entretener, quizá el mayor defecto de este film, es que en tan solo 100 minutos se pretenden condesar muchos e interesantes años de la vida de una mujer que fue amada y odiada por igual.

Lo mejor sin duda, la siempre estupenda, excelente y brillante Meryl Streep que encarna, o más bien, nos pone frente a las cámaras una vez más a dura y firme Primera Ministra.

Siendo hoy un dia en el que recordaran hasta aburrir a la poderosa lider, os recomiendo esta biopic con la que podreis disfrutar de la interpretación soberbia por la que Meryl Streep se lazo con su tercer premio oscar.

Un consejo: mejor verla en inglés donde descubriréis realmente la fuerza interpretativa de la señora Streep.

miércoles, 3 de abril de 2013

'LA GATA SOBRE EL TEJADO DE ZINC' ARTE CLÁSICO, ARTE ETERNO.


'Cat on a Hot Tin Roof' 1958
Director: Richard Brooks
Reparto: Elizabeth Taylor, Paul Newman, Burl Ives, Judith Anderson, Jack Carson, Madeleine Sherwood...

Una de las claves de la obra de Tennesse Williams es que ofrece siempre un aire asfixiante y agobiante tan propio del sur de Estados Unidos, pero precisamente referido al calor propio del clima, si no más bien al provocado por la tradicional y obtusa mentalidad sureña.

'La gata sobre el tejado de zinc' (adaptación de la obra de Williams) es el más claro reflejo de esta sociedad cerrada y tan aferrada a guardar las apariencias, al hacer siempre lo correcto según imponen las normas sociales. Y lo hace a través de unos personajes que viven atormentados por las cadenas de la sociedad.


Para los que penséis que esta no es más que otra película de esas consideradas del cine clásico, os diré que os equivocáis, porque en su argumento hay temas más que actuales. Son temas de los quedan para siempre, temas cotidianos a pesar del paso tiempo. La familia. las falsas apariencias, los intereses personales, adornados con elementos como las mentiras, las frustraciones, las ambiciones, los reconres... No, no estamos ante un clásico que su historia hay que entenderla en la época en la que se hizo, no, la podemos trasladar a nuestro día a día.

La historia como ya he dicho se desarrolla en el entorno de acomodada familia sureña, en la que el patriarca, enfermo, se embarca en su trayecto final de vida, lo cual va a desatar tensas relaciones entre los miembros de su familia por la herencia. Uno de sus hijos, Brick (Paul Newman) despreocupado, apático y adicto al alcohol, se posiciona indiferente ante tal situación; su esposa Maggie (Elizabeth Taylor) no está dispuesta a ver como este sucumbe a su autodestrucción. El otro hijo, Cooper (Jack Carson) y su esposa (Madeleine Sherwood) se muestran como una pareja ambiciosa y oportunista.

Esa gata a la que hace referencia el titulo es por supuesto, la inigualable Elizabeth Taylor, que una vez más interpreta su personaje de manera formidable. Esa gata que se revuelve feroz sobre un tejado recalentado por sacar a su marido de su apatía y desprecio por cuanto le rodea, y arrastrado en una vorágine de autodestrucción. Marido interpretado magistralmente por un Paul Newman en estado de gracia (como siempre). La química entre ambos es asombrosa. Las miradas, los diálogos de gran profundidad y en los que saltan chispas en más de una ocasión. Sin lugar a dudas ellos dos se hacen con cada escena que interpretan o en la que aparecen. Brillan con luz propia, muy por encima del resto de actores, que aunque cada uno hace su trabajo como se espera de ellos, ninguno le hace sombra a la pareja.


Tengo que hacer una mención a parte de Burl Ives, que interpreta al Big Daddy (el padre) cuyo personaje resalta muy por encima del resto de secundarios, con un marcado carácter autoritario y soberbio, propio de quién ha estado al frente de toda sus obligaciones y responsabilidades toda su vida. Excelente.

Un poderoso guión que gracias a una fabulosa narración cinematográfica, la atención del espectador no decrece, casi me atrevo a decir que aumenta cada minuto que se acerca al final. Uso de una fotografía muy adecuada para el interior (el film esta rodado en estudio) y una iluminación muy clara que permite disfrutar con nitidez, no solo de las interpretaciones, si no de la sexy pareja protagonista. Los azules ojos de Newman y su brillo hipnotizan, enamoran.

No importa cuantas veces vea esta película, es como cuando miras una escultora que te fascina o una pintura que se apodera de tus sentidos; 'La gata sobre el tejado de zinc' es una obra que no conoce distinción de edades, o épocas, o lugares. El paso del tiempo no le afecta, porque es una obra de arte esencial, eterna.






lunes, 1 de abril de 2013

'EL HUNDIMIENTO' ¿LA HUMANIZACIÓN DEL MONSTRUO?


'Der Untergang' 2004
Director:  Oliver Hirschbiegel
Reparto: Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, Corinna Harfouch, Ullrich Matthes, Juliane Köhler...

Si hay algún tema que se ha llevado al cine del mil maneras diferentes es la "Segunda Guerra Mundial" pero en muy pocas ocasiones, o al menos que yo sepa, en ninguna se ha contado el final de este hecho de la manera que lo hace 'El Hundimiento', porque lo hace a través de la figura de Adolf Hitler y ofreciéndonos un punto de vista algo singular. Un Hitler frustrado, temeroso, débil, sorprendentemente cariñoso, en resumen, nos ofrece el lado humano de este sangriento líder del nacismo alemán.


Pero, aquí planteo la reflexión, ¿realmente nos muestra a un Hitler más humano de lo que nunca nos habríamos imaginado? No lo creo. Simplemente ofrece la imagen más veraz que se ha podido dar de ser que desgraciadamente una vez piso la faz de la tierra. Por supuesto que nos presenta una imagen que ofrece cierta humanidad, ¿quién no creería que este hombre no tenía sentimientos? todos los tenemos está claro. Pero sus ideas, sus odios, su carácter belicoso y dotes de liderazgo están presentes también. No habría sido el personaje que fue de no poseer estas características. Pero como ya he avanzado antes, veía su final cercano, y como ser humano que era, los sentimientos afloran, la frustración y el miedo hacen mella en el personaje magistralmente interpretado por Bruno Ganz.

La historia tiene lugar en Berlín, en abril de 1945, las calles de la ciudad se enfrentan a una dura lucha mientras que Hitler (Bruno Ganz) y sus fieles se han atrincherado en un búnker. Entre las personas más cercanas se encuentra Traudl Junge (Alexandra Maria Lara) a través de la cual nos llega este hecho. Las luchas en el exterior se han endurecido pero Hitler se niega a rendirse, acompañado de Eva Braun (Juliane Kohler) prepara su despedida.

En mi opinión esta es uno de los mejores films europeos que he visto y uno de los films históricos mejor tratados de cuantos se hayan podido hacer. Basándose en una realidad, sin homenajear, ni demonizar -màs aun- a nadie, simplemente intenta hacer un retrato veraz y científico de un personaje histórico; siendo este personaje moralmente complejo.

Por supuesto en el film vamos a descubrir a muchos más personajes, no solo a Hitler, su secretaria, o Eva Braun. Sus leales seguidores están también retratados de manera magistral, pero el más destacado sin duda es la figura del Führer, no solo porque sea el protagonista, si no por la soberbia interpretación de Bruno Ganz, quien está claro que pasó horas viendo videos de Hitler para captar todos y cada uno de sus gestos, sus vocalizaciones, sus miradas. Y digo esto, solo porque el propio Ganz comentara que lo hizo, sino que cuando ves su actuación lo percibes; su parecido es espeluznante a la vez que asombroso.

He de resaltar que la brutalidad y la sensibilidad de los personajes nos va a plantear duras reflexiones, hay un momento especialmente duro, el de Magda Goebbels con sus hijos, del que no quiero dar demasiadas pistas por si alguien que no ha visto el film lee esto antes de hacer, pero para los que lo hayáis visto supongo que imagináis a que hecho me refiero

Técnicamente es una película de una factura excelente, planos muy correctos y ajustados al espacio en el que se desarrolla gran parte de la historia. Muchos de esos planos ofrecen detalles y características muy particulares del protagonista, acercando aun más la psicología del mismo.


Si hay una palabra con la que identifico este film es "escalofriante" primero por la historia en si, porque conoces aún más al personaje, y pensar que este ser realmente existió hace que te estremezcas. Segundo por la intrepretación magistral de Ganz, que muy lejos de humanizar al monstruo, simplemente nos muestra la realidad de un líder sin escrúpulos.